Y de nuevo nos encontramos, un año más, pendientes de lo que nos deparará el destino. Es una suerte que no lo sepamos, aunque haya quien diga que el destino nos lo labramos nosotros en nuestro día a día. Si, por supuesto, esto es cierto, pero... ¿qué pasa con la predestinación? Si algo está escrito ¿ocurrirá, aunque no lo deseemos?
Por el momento, intentemos vivir con nuestro destino a cuestas, y nunca olvidemos las palabras.
Nuestros mejores deseos para este año que acaba de entrar, nuevecito, envuelto todavía en unos pañales cargados de ilusiones. No las echemos a perder.
¡Feliz literatura nueva!
¿Qué será?... no lo sabemos, las palabras continuarán diciendo...
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3.1.10
28.10.09
Música
Si me lo permitís, me han enviado este video, es sólo música, pero me ha encantado por la capacidad de concentración que he visto en esta pareja que toca la guitarra conjuntamente. Debo decir que nunca había visto tocar la guitarra a cuatro manos.
Qué opinas, Elèna?
Me tomo la libertad de dejarlo aquí y, por una vez desde hace bastante tiempo, no hablar de literatura.
Qué opinas, Elèna?
Me tomo la libertad de dejarlo aquí y, por una vez desde hace bastante tiempo, no hablar de literatura.
8.9.09
CURIOSIDADES MUSICALES
Los dos grandes maestros y compositores del barroco, Georg Friedrich Händel y Johann Sebastian Bach, habían nacido con pocos meses de diferencia y en dos localidades muy próximas: Halle y Eisenach, respectivamente.
En 1713, cuando se encontraba en Weimar, Johann Sebastian Bach se trasladó a la ciudad natal de su paisano y colega con intención de conocerlo. Händel, a pesar de su juventud, había escrito ya varias obras de éxito y se encontraba en Londres para el estreno de sus óperas El pastor confiado y Teseo.
En 1713, cuando se encontraba en Weimar, Johann Sebastian Bach se trasladó a la ciudad natal de su paisano y colega con intención de conocerlo. Händel, a pesar de su juventud, había escrito ya varias obras de éxito y se encontraba en Londres para el estreno de sus óperas El pastor confiado y Teseo.
En 1719 Bach realiza otra visita a Halle desde Kôthen pero nuevamente Herr Händel se encuentra en Inglaterra, esta vez como preceptor musical de los hijos del príncipe de Gales. Bach no repitió el intento y ambos genios no llegaron a conocerse.
Acaso la Providencia, tan atenta a los asuntos de Bach, prefirió mantenerlo alejado del mundo y anglófilo autor de El Mesías, proclive a las obras para la escena y a las alabanzas del público, que se mantuvo soltero para mejor disfrutar de una activa vida social y, según se ha dejado suponer, de su inclinación a las relaciones non sanctas.En suma, la contrapartida del buen burgués provinciano y hogareño, cargado de hijos y de intrincadas partituras musicales eclesiales, que lo buscó dos veces sin encontrarlo.
Extracto de "Así como suena" Lawrence Lindt.
4.12.07
Madurez musical o el proceso de aprendizaje a partir de los cuarenta.
Yo era una niña delgaducha, desgalichada, feucha y con trenzas. Para aderezar el conjunto, a los nueve años, me pusieron gafas. Esto no deja de ser una anécdota porque, afortunadamente, lo único que queda de aquello son las gafas. Crecí rodeada de sonidos: la radio y la música clásica. La voz de mi madre cantando zarzuela y coplas. Y los ronquidos de mi padre y mi tía, en acompañamiento de bajo continuo.
La música influyó en mi carácter, pero su estudio se dilató en el tiempo hasta que, un buen día, decidí que había llegado el momento de encararme con ella. Eso fue en el año 2000.
Lo comenté en casa ilusionada y con esa alegría que manifiestan los adolescentes, me dijeron: ¡estás loca! ¡Con lo mayor que eres! O quizás dijeron vieja. No lo recuerdo.
El caso es que yo soy muy cabezota y no desistí. Tenía que desentrañar los misterios de los sonidos.
Me compré una cartera, preciosa, sin ruedas (que no era un carro de la compra). Fui a una tienda de música y pedí el libro de solfeo y una libreta de papel pautado. Compré una goma de borrar de sabor vainilla y un lápiz con las efigies de los compositores más célebres (como si eso fuera una garantía de algo).
Y llegué a la escuela de música una tarde con mi cartera y mi ilusión. Nada más entrar en la clase me encontré con unos cuantos niños que al verme dijeron: ¿Eres la seño?
— No. No soy la seño, soy una compañera - respondí amablemente.
Los niños me miraron como sólo ellos saben hacer cuando te quieren desmerecer. Y ya no dije nada más.
Al principio fue todo más o menos fácil. Compases y ritmos sencillos. Incluso llegué a destacar. Pero ¡ay! Todo se acaba.
— Vamos a hacer este ritmo del libro, dijo un día el profe. Con la mano derecha hacemos: ti, ti, ta, ta, y con la izquierda ta,ta.
¡Precioso! Vosotros dos, Pepito y Manolito, empezáis a tiempo y tú (yo) entras en anacrusa.
¡En anacrusa! Yo, en anacrusa.
Para evitar confusiones me pinté en el dorso de la mano una I en la izquierda y una D en la derecha. Y me puse a hacer ti, ti, ta, ta. ¡Hombre! Entrar, lo que se dice entrar, entré. Aunque más que ritmo hice el ridículo.
Los niños me miraban y se reían. ¡Ellos, tan ricos!
Lo peor fue viniendo con el tiempo. Y lo peor se llamaba Dictado melódico. El profe se sienta al piano y toca unas notas y tú tienes que escribirlas en el pentagrama, pero no a tu libre albedrío, ¡no! De eso nada. Aparte de saber qué nota ha tocado el puñetero, tienes que saber si son negras, corcheas, tresillos o blancas, o cosas peores. Y allí estaba yo, con mi lápiz de los compositores, (que no me insuflaban sabiduría) la goma de borrar en mano haciendo esfuerzos por escribir algo consecuente.
— La primera nota es un La bemol, para que os sirva de referencia. ¿De referencia, de qué?, pensaba yo.
El profe tocaba los tres primeros compases del primer pentagrama. Y luego los otros tres, y así sucesivamente. Y mientras yo bordaba con mi maravilloso lápiz la clave de sol, el cabrón del niño que tenía al lado LO HABIA TERMINADO TODO. Y me miraba con esa risilla de conejo de niño sabiondo, repelente y pedante y decía: Ya está. Yo lo miraba a él, y luego a mi libreta, a mi solitaria clave de sol y mi La bemol y a continuación el vacío, la nada. Mi oído no había distinguido ni una sola nota posterior.
¡Qué ridículo, señor!, digo yo, ¿no les enseñan a los niños en sus casas que no hay que reírse de los mayores?
Esto sólo duró cuatro años. Entre tanto cogí el instrumento que tanto había deseado, el oboe, y empecé a pelearme con él. No fue tan desesperante como la teoría. Al menos, en las partituras las notas vienen escritas.
La música influyó en mi carácter, pero su estudio se dilató en el tiempo hasta que, un buen día, decidí que había llegado el momento de encararme con ella. Eso fue en el año 2000.
Lo comenté en casa ilusionada y con esa alegría que manifiestan los adolescentes, me dijeron: ¡estás loca! ¡Con lo mayor que eres! O quizás dijeron vieja. No lo recuerdo.
El caso es que yo soy muy cabezota y no desistí. Tenía que desentrañar los misterios de los sonidos.
Me compré una cartera, preciosa, sin ruedas (que no era un carro de la compra). Fui a una tienda de música y pedí el libro de solfeo y una libreta de papel pautado. Compré una goma de borrar de sabor vainilla y un lápiz con las efigies de los compositores más célebres (como si eso fuera una garantía de algo).
Y llegué a la escuela de música una tarde con mi cartera y mi ilusión. Nada más entrar en la clase me encontré con unos cuantos niños que al verme dijeron: ¿Eres la seño?
— No. No soy la seño, soy una compañera - respondí amablemente.
Los niños me miraron como sólo ellos saben hacer cuando te quieren desmerecer. Y ya no dije nada más.
Al principio fue todo más o menos fácil. Compases y ritmos sencillos. Incluso llegué a destacar. Pero ¡ay! Todo se acaba.
— Vamos a hacer este ritmo del libro, dijo un día el profe. Con la mano derecha hacemos: ti, ti, ta, ta, y con la izquierda ta,ta.
¡Precioso! Vosotros dos, Pepito y Manolito, empezáis a tiempo y tú (yo) entras en anacrusa.
¡En anacrusa! Yo, en anacrusa.
Para evitar confusiones me pinté en el dorso de la mano una I en la izquierda y una D en la derecha. Y me puse a hacer ti, ti, ta, ta. ¡Hombre! Entrar, lo que se dice entrar, entré. Aunque más que ritmo hice el ridículo.
Los niños me miraban y se reían. ¡Ellos, tan ricos!
Lo peor fue viniendo con el tiempo. Y lo peor se llamaba Dictado melódico. El profe se sienta al piano y toca unas notas y tú tienes que escribirlas en el pentagrama, pero no a tu libre albedrío, ¡no! De eso nada. Aparte de saber qué nota ha tocado el puñetero, tienes que saber si son negras, corcheas, tresillos o blancas, o cosas peores. Y allí estaba yo, con mi lápiz de los compositores, (que no me insuflaban sabiduría) la goma de borrar en mano haciendo esfuerzos por escribir algo consecuente.
— La primera nota es un La bemol, para que os sirva de referencia. ¿De referencia, de qué?, pensaba yo.
El profe tocaba los tres primeros compases del primer pentagrama. Y luego los otros tres, y así sucesivamente. Y mientras yo bordaba con mi maravilloso lápiz la clave de sol, el cabrón del niño que tenía al lado LO HABIA TERMINADO TODO. Y me miraba con esa risilla de conejo de niño sabiondo, repelente y pedante y decía: Ya está. Yo lo miraba a él, y luego a mi libreta, a mi solitaria clave de sol y mi La bemol y a continuación el vacío, la nada. Mi oído no había distinguido ni una sola nota posterior.
¡Qué ridículo, señor!, digo yo, ¿no les enseñan a los niños en sus casas que no hay que reírse de los mayores?
Esto sólo duró cuatro años. Entre tanto cogí el instrumento que tanto había deseado, el oboe, y empecé a pelearme con él. No fue tan desesperante como la teoría. Al menos, en las partituras las notas vienen escritas.
Se llama anacrusa a una nota o grupo de notas sin acento al principio de una frase y colocado antes de la barra de compás por lo tanto justo antes del primer tiempo fuerte.
20.7.07
Paul Bowles - Entre la literatura y la música
Los grandes genios son un pozo de sorpresas.
Normalmente, aquellos que son geniales no suelen conformarse con una sola faceta del arte. Su capacidad mental y de trabajo es tan grande que necesitan volcar todo su talento en varias cosas.
Sabía que Paul Bowles había compuesto bandas sonoras para algunas películas, lo que desconocía era su inmensa producción musical.
Ayer tuve la oportunidad de escuchar en Radio Clásica dos de sus composiciones.
.Escenas de la Anábasis
.Secret Words.
Secret Words son canciones. Las escuché magnificamente interpretadas por un barítono y están basadas en textos de poemas, entre ellos de Gertrude Stein, una de las personas que conoció en su primer viaje a Paris y que intentó quitarle de la cabeza que se dedicara a la literatura.
Sus inicios hacia la literatura comenzaron con la escritura de poemas, aunque estudió música desde la infancia. Fue amigo y alumno de composición de Aaron Copland – compositor que a mí me gusta mucho y si alguien no lo conoce, lo recomiendo – y con él viajó por Marruecos. En su periplo nómada, recaló también en Méjico y se hizo amigo del también compositor Silvestre Revueltas – si podéis escuchar algo de Revueltas, es magnífico, poderoso.
Escuché también unos fragmentos de la opera The wind remains- Reliquia del viento que estrenó Leonard Bernstein y basada en la obra de Federico García Lorca – Así que pasen cinco años.
Para un compositor, la comunicación es esencial. Si no hay comunicación, no hay música. Sabiendo que existe una gran cantidad de oyentes que no tienen educación musical, uno debe de tener la cortesía de conducirles sin que su escucha les produzca rechazo. Independientemente de cual sea el mensaje, el lenguaje para expresarlo debe ser comprensible, lo que significa que el oyente debe recordar aquello que ha escuchado, ya que de lo contrario no escuchará, y no habrá contacto.
Su faceta como compositor no le impidió escribir. De hecho, una vez comprobado el éxito que tuvo su novela "El cielo protector" se dedicó con mayor ahínco a la escritura que a la música.
A lo largo de toda su vida puso música a los poemas de Jane Bowles, Tennessee Williams, Gertrude Stein, Jean Cocteau o Lorca.
Sus influencias étnicas, fruto de sus viajes y estancias en distintos países – España, México, Marruecos, Estados Unidos –, están claramente representadas en sus obras pianísticas.
Paul Bowles se consideraba más músico que escritor, a pesar del éxito que cosechó con la escritura.
Normalmente, aquellos que son geniales no suelen conformarse con una sola faceta del arte. Su capacidad mental y de trabajo es tan grande que necesitan volcar todo su talento en varias cosas.
Sabía que Paul Bowles había compuesto bandas sonoras para algunas películas, lo que desconocía era su inmensa producción musical.
Ayer tuve la oportunidad de escuchar en Radio Clásica dos de sus composiciones.
.Escenas de la Anábasis
.Secret Words.
Secret Words son canciones. Las escuché magnificamente interpretadas por un barítono y están basadas en textos de poemas, entre ellos de Gertrude Stein, una de las personas que conoció en su primer viaje a Paris y que intentó quitarle de la cabeza que se dedicara a la literatura.
Sus inicios hacia la literatura comenzaron con la escritura de poemas, aunque estudió música desde la infancia. Fue amigo y alumno de composición de Aaron Copland – compositor que a mí me gusta mucho y si alguien no lo conoce, lo recomiendo – y con él viajó por Marruecos. En su periplo nómada, recaló también en Méjico y se hizo amigo del también compositor Silvestre Revueltas – si podéis escuchar algo de Revueltas, es magnífico, poderoso.
Escuché también unos fragmentos de la opera The wind remains- Reliquia del viento que estrenó Leonard Bernstein y basada en la obra de Federico García Lorca – Así que pasen cinco años.
Para un compositor, la comunicación es esencial. Si no hay comunicación, no hay música. Sabiendo que existe una gran cantidad de oyentes que no tienen educación musical, uno debe de tener la cortesía de conducirles sin que su escucha les produzca rechazo. Independientemente de cual sea el mensaje, el lenguaje para expresarlo debe ser comprensible, lo que significa que el oyente debe recordar aquello que ha escuchado, ya que de lo contrario no escuchará, y no habrá contacto.
Su faceta como compositor no le impidió escribir. De hecho, una vez comprobado el éxito que tuvo su novela "El cielo protector" se dedicó con mayor ahínco a la escritura que a la música.
A lo largo de toda su vida puso música a los poemas de Jane Bowles, Tennessee Williams, Gertrude Stein, Jean Cocteau o Lorca.
Sus influencias étnicas, fruto de sus viajes y estancias en distintos países – España, México, Marruecos, Estados Unidos –, están claramente representadas en sus obras pianísticas.
Paul Bowles se consideraba más músico que escritor, a pesar del éxito que cosechó con la escritura.
Su novela más conocidad "El cielo protector" fue llevada al cine de la mano de Bernardo Bertolucci.
22.6.07
José Antonio Abreu
No solemos en esta página acelerarnos con los comentarios pero, hoy, bañada como estoy en emociones, me voy a saltar esta tácita regla de Liters.
pinchar aquí para leer.
José Antonio Abreu, director de orquesta, nacido en Venezuela, como podéis leer en el artículo de El cultural, es una de esas personas excepcionales que, como toda excepción confirma la regla.
Su labor musical y humana para sacar de la violencia y la marginalidad a chicos y chicas y encauzarlos hacia la música, está logrando que muchos de ellos en lugar de utilizar pistolas, usen un violonchelo, un violín o una trompeta.
Nos olvidamos, en favor de los estudios técnicos, contra los que no tengo nada en contra, que a los jóvenes hay que educarles también en sensibilidad, en cultura y en humanidades.
La música educa tres sentidos corporales al mismo tiempo: vista, tacto y oído. Si, además, has de tocar junto con otros músicos, como suele ser casi siempre, educa la comprensión, la convivencia. Esas materias tan olvidadas por nuestros gobernantes que se empeñan en reducir la enseñanza de las humanidades, en especial, de la música hasta límites insospechados.
La cultura nos hace libres, quizás ese es el temor.
José Antonio Abreu tiene tan gran valor humano como lo puede tener Daniel Baremboim y Edward Said, creadores de la Orquesta East-West Divan que aglutina entre sus músicos a palestinos e israelíes. Una lucha en favor de la convivencia utilizando la música como cauce, como excusa.
Normalmente me siento muy orgullosa de ser músico, de haber descubierto el sentido de interpretar. Dudo que haya alguien a quien la música no le haga emocionarse. La música del tipo que sea. La música sin etiquetas.
pinchar aquí para leer.
José Antonio Abreu, director de orquesta, nacido en Venezuela, como podéis leer en el artículo de El cultural, es una de esas personas excepcionales que, como toda excepción confirma la regla.
Su labor musical y humana para sacar de la violencia y la marginalidad a chicos y chicas y encauzarlos hacia la música, está logrando que muchos de ellos en lugar de utilizar pistolas, usen un violonchelo, un violín o una trompeta.
Nos olvidamos, en favor de los estudios técnicos, contra los que no tengo nada en contra, que a los jóvenes hay que educarles también en sensibilidad, en cultura y en humanidades.
La música educa tres sentidos corporales al mismo tiempo: vista, tacto y oído. Si, además, has de tocar junto con otros músicos, como suele ser casi siempre, educa la comprensión, la convivencia. Esas materias tan olvidadas por nuestros gobernantes que se empeñan en reducir la enseñanza de las humanidades, en especial, de la música hasta límites insospechados.
La cultura nos hace libres, quizás ese es el temor.
José Antonio Abreu tiene tan gran valor humano como lo puede tener Daniel Baremboim y Edward Said, creadores de la Orquesta East-West Divan que aglutina entre sus músicos a palestinos e israelíes. Una lucha en favor de la convivencia utilizando la música como cauce, como excusa.
Normalmente me siento muy orgullosa de ser músico, de haber descubierto el sentido de interpretar. Dudo que haya alguien a quien la música no le haga emocionarse. La música del tipo que sea. La música sin etiquetas.
Cuando encuentras personas como éstas me emociona pertenecer a ese mundo.
Y satisfecha de haber encauzado a mis hijas hacia él.
5.6.07
Homosexualidad, suicidio y Chaikowsky
La música, igual que la literatura, nos ha dejado personajes atormentados.
Personajes de ficción y reales. Escritores malditos y extravagantes. Músicos depresivos, alocados o irresponsables.
Uno de estos personajes atormentados fue Piotr Ilich Chaikowsky, conocido también como el Niño de Cristal. Gran compositor, niño prodigio que a los cuatro años comenzó los estudios de piano y comentaba que tenía la cabeza llena de música.
Desde la infancia fue carácter y naturaleza frágil, probablemente por su condición de homosexual que parece ser que nunca llegó a aceptar con naturalidad. Incluso se casó con una fanática Antonina Miliukova que había estado escribiéndole encendidas cartas de amor con el fin de superar su tendencia homosexual. El matrimonio jamás llegó a consumarse.
Su música es universal, muy conocidas la mayoría de sus obras, especialmente los ballets. Otras lo son menos pero no por ello menos bellas.
Hasta no hace mucho tiempo se ha considerado que Chaikowky murió de cólera, a raíz de una epidemia que asoló Rusia. Ello fue debido a beber un vaso de agua no hervida a los tres días de estrenar la última de sus sinfonías.
Sin embargo, parece ser que existen otras dos versiones: una, que su muerte sigue siendo todavía un misterio. Y dos, que el compositor se suicidó con arsénico. La causa fue la denuncia de un aristócrata porque el compositor había tenido relaciones homosexuales con su sobrino. La denuncia estaba dirigida al zar, aunque no llegó, porque primero pasó por las manos de un importante senador que había estudiado con Chaikowky en la Escuela de Jurisprudencia.
El senador mandó formar una corte para juzgarlo y salvar el honor de la escuela por la que, sin ninguna duda, había pasado más de un homosexual disfrazado ahora de hombre honorable. La corte lo juzgó y sentenció: Chaikowsky debía suicidarse.
Parece ser que así lo hizo, siendo su última obra compuesta la Sinfonía nº 6, a la que su hermano bautizó como Patética.
Personajes de ficción y reales. Escritores malditos y extravagantes. Músicos depresivos, alocados o irresponsables.
Uno de estos personajes atormentados fue Piotr Ilich Chaikowsky, conocido también como el Niño de Cristal. Gran compositor, niño prodigio que a los cuatro años comenzó los estudios de piano y comentaba que tenía la cabeza llena de música.
Desde la infancia fue carácter y naturaleza frágil, probablemente por su condición de homosexual que parece ser que nunca llegó a aceptar con naturalidad. Incluso se casó con una fanática Antonina Miliukova que había estado escribiéndole encendidas cartas de amor con el fin de superar su tendencia homosexual. El matrimonio jamás llegó a consumarse.
Su música es universal, muy conocidas la mayoría de sus obras, especialmente los ballets. Otras lo son menos pero no por ello menos bellas.
Hasta no hace mucho tiempo se ha considerado que Chaikowky murió de cólera, a raíz de una epidemia que asoló Rusia. Ello fue debido a beber un vaso de agua no hervida a los tres días de estrenar la última de sus sinfonías.
Sin embargo, parece ser que existen otras dos versiones: una, que su muerte sigue siendo todavía un misterio. Y dos, que el compositor se suicidó con arsénico. La causa fue la denuncia de un aristócrata porque el compositor había tenido relaciones homosexuales con su sobrino. La denuncia estaba dirigida al zar, aunque no llegó, porque primero pasó por las manos de un importante senador que había estudiado con Chaikowky en la Escuela de Jurisprudencia.
El senador mandó formar una corte para juzgarlo y salvar el honor de la escuela por la que, sin ninguna duda, había pasado más de un homosexual disfrazado ahora de hombre honorable. La corte lo juzgó y sentenció: Chaikowsky debía suicidarse.
Parece ser que así lo hizo, siendo su última obra compuesta la Sinfonía nº 6, a la que su hermano bautizó como Patética.
19.4.07
17.4.07
Trombón - Ricardo Casero
No puedo evitar la presunción. Y no lo lamento. En esta especie de cruzada que he emprendido por traer música a esta página, es un placer para mí presentaros a uno de los mejores solistas de trombón del mundo.
Para quienes no estéis muy metidos en este mundo, puedo deciros que este solista, Ricardo Casero es alumno privilegiado de Christian Lindberg. Si el segundo está considerado como el mejor del mundo, Ricardo le sigue a la zaga.
Esta grabación no es la mejor de él, sin duda alguna, y la banda que le acompaña tampoco, pero demuestra su maestría.
El trombón es un aerófono de la familia de viento , con un registro más grave que el del corno. El sonido se produce por el movimiento de un tubo móvil, llamado vara, que se desliza dentro del tubo principal en siete posiciones, acortando o alargando la distancia que el aire en vibración debe recorrer, produciendo de este modo sonidos más graves o agudos, que también se pueden controlar con una mayor o menor presión del aire soplado por el intérprete. Cuanto más se saque la vara, más se alarga la columna de aire y el sonido producido es más grave. Cada posición da un fundamental medio tono más bajo que la anterior. Sin embargo también existen trombones con válvulas, aunque actualmente están en desuso. Al igual que casi todos los instrumentos de esta familia de viento metal, el trombón de varas es de latón, y consiste en un tubo cilíndrico y abierto enrollado sobre sí mismo.
Ricardo Casero toca actualmente en la Orquesta de la Comunidad Valenciana, dirigido habitualmente por Lorin Maazel y Zubin Mehta. Anteriormente, y durante más de diez años, ha sido solista de la Orquesta Ciutat de Barcelona.
Además, es mi sobrino. Un momento, que me estoy limpiando la baba.
Otro día espero traeros a mi hija pequeña que toca la trompeta.
Para quienes no estéis muy metidos en este mundo, puedo deciros que este solista, Ricardo Casero es alumno privilegiado de Christian Lindberg. Si el segundo está considerado como el mejor del mundo, Ricardo le sigue a la zaga.
Esta grabación no es la mejor de él, sin duda alguna, y la banda que le acompaña tampoco, pero demuestra su maestría.
El trombón es un aerófono de la familia de viento , con un registro más grave que el del corno. El sonido se produce por el movimiento de un tubo móvil, llamado vara, que se desliza dentro del tubo principal en siete posiciones, acortando o alargando la distancia que el aire en vibración debe recorrer, produciendo de este modo sonidos más graves o agudos, que también se pueden controlar con una mayor o menor presión del aire soplado por el intérprete. Cuanto más se saque la vara, más se alarga la columna de aire y el sonido producido es más grave. Cada posición da un fundamental medio tono más bajo que la anterior. Sin embargo también existen trombones con válvulas, aunque actualmente están en desuso. Al igual que casi todos los instrumentos de esta familia de viento metal, el trombón de varas es de latón, y consiste en un tubo cilíndrico y abierto enrollado sobre sí mismo.
Ricardo Casero toca actualmente en la Orquesta de la Comunidad Valenciana, dirigido habitualmente por Lorin Maazel y Zubin Mehta. Anteriormente, y durante más de diez años, ha sido solista de la Orquesta Ciutat de Barcelona.
Además, es mi sobrino. Un momento, que me estoy limpiando la baba.
Otro día espero traeros a mi hija pequeña que toca la trompeta.
29.3.07
Compositoras - Francesca Caccini
Me había hecho el propósito de escribir sobre las compositoras, esas desconocidas para la mayoría del público.
Hace tiempo comenté sobre Hildegarda de Bingen, una monja que vivió en el siglo XI y que, aparte de llegar a abadesa del convento y enfrentarse a toda la iglesia, fue compositora, escritora, poeta y una mujer de su tiempo, sin perder de vista a Dios, que andaba por las alturas.
Hace tiempo comenté sobre Hildegarda de Bingen, una monja que vivió en el siglo XI y que, aparte de llegar a abadesa del convento y enfrentarse a toda la iglesia, fue compositora, escritora, poeta y una mujer de su tiempo, sin perder de vista a Dios, que andaba por las alturas.
Esta vez quiero presentaros a Francesca Caccini.
Nació en 1587 y murió con toda probabilidad en 1640. Fue cantante, compositora, proesora de música, poeta y la primera mujer en componer una ópera. Fue conocida también como "La Cecchina"
En el siglo XVII raro era que una mujer poseyera semejantes conocimientos, a menos que los hubiera adquirido en su casa. Este fue el caso de Francesca, hija de Giulio Caccini, otro de las grandes compositores italianos de quien apenas se escucha música.
Francesca llamó la atención de Claudio Monteverdi, uno de los fundadores del barroco, cuando escuchó una de sus composiciones en 1610.
La primera composición de Francesca para la escena fue La Stiava que se representó en el Carnaval de Florencia en 1607. La música no ha sobrevivido al tiempo. Sin embargo, nos ha llegado una magnifica composición denominada Il primo libro delle musiche.
Desgraciadamente la mayor parte de su obra se ha perdido, a excepción de la ópera La liberazione di Ruggiero dall'isola d'Alcina. Una de las característica especiales de esta ópera frente al resto de esa época, es que Francesca otorga a la voz femenina mucho más protagonismo que le daban sus coetáneos. Para eso era mujer.
Nació en 1587 y murió con toda probabilidad en 1640. Fue cantante, compositora, proesora de música, poeta y la primera mujer en componer una ópera. Fue conocida también como "La Cecchina"
En el siglo XVII raro era que una mujer poseyera semejantes conocimientos, a menos que los hubiera adquirido en su casa. Este fue el caso de Francesca, hija de Giulio Caccini, otro de las grandes compositores italianos de quien apenas se escucha música.
Francesca llamó la atención de Claudio Monteverdi, uno de los fundadores del barroco, cuando escuchó una de sus composiciones en 1610.
La primera composición de Francesca para la escena fue La Stiava que se representó en el Carnaval de Florencia en 1607. La música no ha sobrevivido al tiempo. Sin embargo, nos ha llegado una magnifica composición denominada Il primo libro delle musiche.
Desgraciadamente la mayor parte de su obra se ha perdido, a excepción de la ópera La liberazione di Ruggiero dall'isola d'Alcina. Una de las característica especiales de esta ópera frente al resto de esa época, es que Francesca otorga a la voz femenina mucho más protagonismo que le daban sus coetáneos. Para eso era mujer.
Pues, aquí Francesca Caccini, aquí unos amigos.
No he encontrado ningún video sobre Francesca. Os dejo el Ave María que compuso su padre, Giulio Caccini
27.2.07
Tous les matins du monde (revisado)
Jordi Savall dirigió e interpretó la música de la película "Tous les matins du monde" De hecho se me ha ocurrido buscar en youtube tras haber leído a mi compañera Escriptorum.
Aquí os dejo dos fragmentos de dicha película. Compartámoslos y disfrutémoslos:
Después de dejar reposar el post durante la noche, esta mañana me he dado cuenta de que el primer video se escucha como a golpes, aunque la imagen se vea bien. Por ello, he decidido buscarlo de nuevo. Ya que no he encontrado un video de la película que se pueda oír bien, he decidido poneros un video que se llama "Le printemps a la Provence", con diapositivas de la Provenza, pero con la banda sonora correcta de la música que yo quería poner. Así pues, cambio el primer video por éste, que no pertenece a la película, aunque sí la banda sonora. ¿Capisci?
Esto lo he hecho para que podáis oír bien la música. Es evidente que én este video no vemos al director de la orquesta, dando golpes con su bastón, tal como comenta Escriptorum. Bueno, lo dejo a vuestra elección. Si los comments "piden" el otro video, lo volveré a poner, hale, música a la carta.
Aquí os dejo dos fragmentos de dicha película. Compartámoslos y disfrutémoslos:
Después de dejar reposar el post durante la noche, esta mañana me he dado cuenta de que el primer video se escucha como a golpes, aunque la imagen se vea bien. Por ello, he decidido buscarlo de nuevo. Ya que no he encontrado un video de la película que se pueda oír bien, he decidido poneros un video que se llama "Le printemps a la Provence", con diapositivas de la Provenza, pero con la banda sonora correcta de la música que yo quería poner. Así pues, cambio el primer video por éste, que no pertenece a la película, aunque sí la banda sonora. ¿Capisci?
Esto lo he hecho para que podáis oír bien la música. Es evidente que én este video no vemos al director de la orquesta, dando golpes con su bastón, tal como comenta Escriptorum. Bueno, lo dejo a vuestra elección. Si los comments "piden" el otro video, lo volveré a poner, hale, música a la carta.
22.2.07
JOHN DOWLAND - Come again
Música del Renacimiento.
En el blog que tuve un tiempo comencé a escribir algo sobre este período musical que, junto con el Barroco, es uno de mis preferidos. Eso no quiere decir que desprecie el resto, ni mucho menos. Hay muchos autores de este período de resurgimiento artístico. Uno de ellos es el que hoy os traigo. Supongo que habrá quien haya oído algo de él y quien no. De cualquier manera, que lo disfrutéis.
John Dowland nació en Inglaterra en 1563 siendo casi contemporáneo de Shakespeare. Fue uno de los pocos músicos ingleses que recorrió Europa.
Se sabe muy poco sobre su origen y sus inicios en la música. Estuvo en Francia como sirviente del embajador de Inglaterra. Durante su estancia en este país se convirtió al catolicismo, lo que posteriormente le costaría un poco caro en la corte inglesa regentada por Isabel I, una ferviente anglicana.
Tras varios años en Francia, John Dowland decidió regresar a su país. En Inglaterra su fama como laudista y compositor fue aumentando. Viajó a Italia y también a Dinamarca donde fue músico de la corte.
Es uno de los pocos compositores que han pasado a la posteridad pese a tener una obra reducida. Compuso 87 canciones para voz y laúd que están contenidas en "Books of Songs of Ayres", "A Pilgrim Solace" y "Musical Banquet" y alguna otra.
La canción que os recomiendo que escuchéis es una obra muy hermosa: Come again. La partitura que yo tengo está escrita para cuatro voces, aunque quiero suponer que la original sería escrita para voz y laúd, tal como yo la he escuchado y como hace poco la grabó Sting.
La versión de Sting es muy buena, aunque yo prefiero la voz femenina.
La podéis escuchar aquí
John Dowland nació en Inglaterra en 1563 siendo casi contemporáneo de Shakespeare. Fue uno de los pocos músicos ingleses que recorrió Europa.
Se sabe muy poco sobre su origen y sus inicios en la música. Estuvo en Francia como sirviente del embajador de Inglaterra. Durante su estancia en este país se convirtió al catolicismo, lo que posteriormente le costaría un poco caro en la corte inglesa regentada por Isabel I, una ferviente anglicana.
Tras varios años en Francia, John Dowland decidió regresar a su país. En Inglaterra su fama como laudista y compositor fue aumentando. Viajó a Italia y también a Dinamarca donde fue músico de la corte.
Es uno de los pocos compositores que han pasado a la posteridad pese a tener una obra reducida. Compuso 87 canciones para voz y laúd que están contenidas en "Books of Songs of Ayres", "A Pilgrim Solace" y "Musical Banquet" y alguna otra.
La canción que os recomiendo que escuchéis es una obra muy hermosa: Come again. La partitura que yo tengo está escrita para cuatro voces, aunque quiero suponer que la original sería escrita para voz y laúd, tal como yo la he escuchado y como hace poco la grabó Sting.
La versión de Sting es muy buena, aunque yo prefiero la voz femenina.
La podéis escuchar aquí
Y e Come again! sweet love doth now invite
Thy graces that refrain
To do me due delight,
To see, to hear, to touch, to kiss, to die,
With thee again in sweetest sympathy.
2. Come again! that I may cease to mourn
Through thy unkind disdain;
For now left and forlorn
I sit, I sigh, I weep, I faint, I die
In deadly pain and endless misery.
3. All the day the sun that lends me shine
By frowns doth cause me pine
And feeds me with delay;
Her smiles, my springs that makes my joy to grow,
Her frowns the winter of my woe.
4. All the night my sleeps are full of dreams,
My eyes are full of streams.
My heart takes no delight
To see the fruits and joys that some do find
And mark the stormes are me assign'd.
5. But alas, my faith is ever true,
Yet will she never rue
Nor yield me any grace;
Her Eyes of fire, her heart of flint is made,
Whom tears nor truth may once invade.
6. Gentle Love, draw forth thy wounding dart,
Thou canst not pierce her heart;
For I, that do approve
By sighs and tears more hot than are thy shafts
Do tempt while she for triumphs laughs.
.
16.2.07
De puristas y purismos
"Es curioso que quienes viven en ascuas, a la permanente caza de manifestaciones de “lenguaje machista” o “sexista”, o de palabras supuestamente denigratorias para cualquier colectivo o grupo, jamás muestren la menor preocupación ni protesten por los atentados continuos que se cometen contra el español, no sólo en la televisión y en la prensa, sino en los mismísimos libros. Eso prueba que sus inquietudes lingüísticas son enteramente falsas, o aún es más, que en realidad van aliados con quienes maltratan el castellano, dedicados todos a afearlo, a hacerlo más impreciso, a deformarlo, a empobrecerlo, a descafeinarlo, a privarlo de vocablos, a jibarizarlo, a empequeñecerlo, a desustanciarlo y a convertirlo en un magma confuso o en una ciénaga en la que los hablantes chapotean sin ningún sentido para acabar ahogándose invariablemente en una ciénaga".
Este es el comienzo de un artículo de Javier Marías. Es mucho más largo. Por esa razón no lo voy a copiar. Sólo quiero añadir mi acuerdo con él. No me molesta que me consideren algo purista. Escribo en castellano porque es la lengua en la que me eduqué. La que hablaba mi madre.
Me pregunto, si el lenguaje es el principal medio de expresión, ¿por qué lo maltratamos de esa manera?
En algunos casos creo que es comodidad. Otros, falta de rigor. Escuchamos frases hechas y mal hechas y las tomamos como buenas y las repetimos hasta la saciedad, sin importarnos si el significado es el que pretende ser.
¿Por qué, cuando hacemos preguntas en castellano quitamos el signo de interrogación del inicio de la pregunta?
DRAE: A diferencia de lo que ocurre en otras lenguas, los signos de interrogación y exclamación son signos dobles en español, como los paréntesis o los corchetes. Por tanto, es incorrecto prescindir del signo de apertura en los enunciados interrogativos o exclamativos.
¿Por qué decimos: encima nuestro, delante tuyo?
DRAE: En la lengua culta debe evitarse el uso de adverbios como cerca, detrás, delante, debajo, dentro, encima, enfrente con adjetivos posesivos; así pues, no debe decirse detrás mío, encima suya, etc., sino detrás de mí, encima de él, etc.
En consecuencia, para discernir si es o no correcta una expresión con posesivo, debemos fijarnos en la categoría de la palabra núcleo: si es un sustantivo, será correcta (puede decirse al lado mío, pues lado es un sustantivo); pero no será correcta si se trata de un adverbio (no puede decirse cerca mío, pues cerca es un adverbio).
Insisto en esto porque es de las cosas que más me llaman la atención.
Otra de ellas es: ciudadanos y ciudadanas, vascos y vascas, gilipollos y gilipollas.
Este tipo de desdoblamientos son artificiosos e innecesarios desde el punto de vista lingüístico. La actual tendencia al desdoblamiento indiscriminado del sustantivo en su forma masculina y femenina va contra el principio de economía del lenguaje y se funda en razones extralingüísticas. Por tanto, deben evitarse estas repeticiones, que generan dificultades sintácticas y de concordancia, y complican innecesariamente la redacción y lectura de los textos.
Podríamos seguir así bastante tiempo. Lo único en lo que deseo insistir es en que si muchos de nosotros pretendemos convertirnos en escritores deberíamos tener más cuidado con el lenguaje. Y mi razonamiento es igualmente aplicable a cualquier de las lenguas de este extraño país que nos acoge.
Si después de esta perorata seguís pensando que soy una purista o una cursi, será que tenéis razón, pero qué le vamos a hacer si las guedejas son guedejas y no churretes y las puertas se cerraban con fallebas.
Este es el comienzo de un artículo de Javier Marías. Es mucho más largo. Por esa razón no lo voy a copiar. Sólo quiero añadir mi acuerdo con él. No me molesta que me consideren algo purista. Escribo en castellano porque es la lengua en la que me eduqué. La que hablaba mi madre.
Me pregunto, si el lenguaje es el principal medio de expresión, ¿por qué lo maltratamos de esa manera?
En algunos casos creo que es comodidad. Otros, falta de rigor. Escuchamos frases hechas y mal hechas y las tomamos como buenas y las repetimos hasta la saciedad, sin importarnos si el significado es el que pretende ser.
¿Por qué, cuando hacemos preguntas en castellano quitamos el signo de interrogación del inicio de la pregunta?
DRAE: A diferencia de lo que ocurre en otras lenguas, los signos de interrogación y exclamación son signos dobles en español, como los paréntesis o los corchetes. Por tanto, es incorrecto prescindir del signo de apertura en los enunciados interrogativos o exclamativos.
¿Por qué decimos: encima nuestro, delante tuyo?
DRAE: En la lengua culta debe evitarse el uso de adverbios como cerca, detrás, delante, debajo, dentro, encima, enfrente con adjetivos posesivos; así pues, no debe decirse detrás mío, encima suya, etc., sino detrás de mí, encima de él, etc.
En consecuencia, para discernir si es o no correcta una expresión con posesivo, debemos fijarnos en la categoría de la palabra núcleo: si es un sustantivo, será correcta (puede decirse al lado mío, pues lado es un sustantivo); pero no será correcta si se trata de un adverbio (no puede decirse cerca mío, pues cerca es un adverbio).
Insisto en esto porque es de las cosas que más me llaman la atención.
Otra de ellas es: ciudadanos y ciudadanas, vascos y vascas, gilipollos y gilipollas.
Este tipo de desdoblamientos son artificiosos e innecesarios desde el punto de vista lingüístico. La actual tendencia al desdoblamiento indiscriminado del sustantivo en su forma masculina y femenina va contra el principio de economía del lenguaje y se funda en razones extralingüísticas. Por tanto, deben evitarse estas repeticiones, que generan dificultades sintácticas y de concordancia, y complican innecesariamente la redacción y lectura de los textos.
Podríamos seguir así bastante tiempo. Lo único en lo que deseo insistir es en que si muchos de nosotros pretendemos convertirnos en escritores deberíamos tener más cuidado con el lenguaje. Y mi razonamiento es igualmente aplicable a cualquier de las lenguas de este extraño país que nos acoge.
Si después de esta perorata seguís pensando que soy una purista o una cursi, será que tenéis razón, pero qué le vamos a hacer si las guedejas son guedejas y no churretes y las puertas se cerraban con fallebas.
18.1.07
ELITISMOS
La ópera y la música clásica son todavía «minoritarias y elitistas», según un estudio de la Fundación Autor
Leo este titular hoy en un diario de València y sigue a continuación parte de la noticia.
El informe señala respecto a la evolución de las prácticas culturales entre 1978 y 2003, que «a pesar de que todas han experimentado un ascenso», hay importantes manifestaciones culturales como la ópera, la zarzuela o los conciertos de música clásica que son todavía «minoritarias y elitistas». A pesar de ello, su público ha experimentado un ligero incremento en los últimos años. En opinión del sociólogo, «el sistema educativo español no contempla la socialización de las prácticas culturales y, por tanto, se convierte en un espacio de desigualdad social».
El periodista sigue comentando que, según el director del estudio, la música se ha transformado en un elemento «omnipresente», provocando que el principal espacio de cultura sea «el hogar y nuestro propio cuerpo». Además, el libro refleja también cómo la televisión copa el tiempo dedicado al ocio de los españoles -un 98% de los ciudadanos ve este medio con una frecuencia alta- y detecta el «fenómeno emergente» de internet. El cine y la radio se mantienen.
Leo este titular hoy en un diario de València y sigue a continuación parte de la noticia.
El informe señala respecto a la evolución de las prácticas culturales entre 1978 y 2003, que «a pesar de que todas han experimentado un ascenso», hay importantes manifestaciones culturales como la ópera, la zarzuela o los conciertos de música clásica que son todavía «minoritarias y elitistas». A pesar de ello, su público ha experimentado un ligero incremento en los últimos años. En opinión del sociólogo, «el sistema educativo español no contempla la socialización de las prácticas culturales y, por tanto, se convierte en un espacio de desigualdad social».
El periodista sigue comentando que, según el director del estudio, la música se ha transformado en un elemento «omnipresente», provocando que el principal espacio de cultura sea «el hogar y nuestro propio cuerpo». Además, el libro refleja también cómo la televisión copa el tiempo dedicado al ocio de los españoles -un 98% de los ciudadanos ve este medio con una frecuencia alta- y detecta el «fenómeno emergente» de internet. El cine y la radio se mantienen.
También ha habido un incremento en el número de lectores, aunque de forma muy ligera.
El estudio también concluye que el espectro con un menor nivel formativo prefiere la televisión y los toros mientras que los más cultivados acceden a todo tipo de manifestaciones
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El estudio también concluye que el espectro con un menor nivel formativo prefiere la televisión y los toros mientras que los más cultivados acceden a todo tipo de manifestaciones
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¿Se sigue confundiendo elitismo con cultura?
Siempre nos hemos quejado de que no podemos acceder a este tipo de espectáculos porque los precios son muy elevados.
¿No es caro un pase de fútbol?
Ahí lo dejo.
11.1.07
Música, circo y poesía visual
Tranuites Circus es un espectáculo de teatro visual y circo, con una gran dosis de poesía, creado por Lluís Danés, con la actuación en directo de Lluís Llach. Con algunas de sus mejores canciones de las de siempre y algunas melodías nuevas, el cantautor, que para muchos catalanes es algo más que un cantautor, hombre emblemático desde los tiempos de la lucha contra la dictadura, Llach da voz a los anhelos, confesables e inconfesables, de unos personajes que pasan la noche sin dormir y a los que llaman “tranuites”., yo diría que una especie de “trasnochadores”.
Cuando cae la noche, los habitantes de un edificio hecho de ventanas viejas se refugian en su soledad y abandonan las máscaras que llevan puestas durante el día para adentrarse en sus propios sueños: un hombre imagina que vuela hacia otros horizontes; una pareja de abuelos obsesionados por un pasado en el que habían sufrido el hambre y que, en medio de delirios de grandeza, devoran un suculento banquete, que acaba siendo para el espectador, algo más que comida; una bailarina que tiene dos cestas en lugar de pies y que desea ejecutar una coreografía perfecta...sin lograrlo, etc...esos son, según el espectáculo ,los tranuites.
Tranuites Circus, según nos cuenta el mismo Llach al empezar la obra, aborda la necesidad humana de soñar para huir de la realidad cotidiana y creer en un mundo diferente, la necesidad de imaginar que podemos llegar a ser aquello que siempre habíamos deseado ser y pensar que hay otras maneras de vivir, otras maneras de sentir y otras formas de amar.
A través de una ironía agridulce, los números circenses se van sucediendo uno tras otro, al compàs de la bella música de Llach. Una obra altamente recomendada. Una deliciosa puesta en escena que, visualmente, no deja indiferente y musicalmente... ya me lo habían dicho: si te gusta Llach... te gustarà.
Llach dijo el año pasado que se retiraba. Seguramente se retirarà de la canción en directo, de los llamados “recitales” de toda la vida, y yo espero y deseo que jamás se retire como músico, porque su música forma parte ya de nuestra vida. Emociones, sonrisas, lágrimas furtivas y un gran aplauso final, eso fue lo que sentí. Os la recomiendo.
Cuando cae la noche, los habitantes de un edificio hecho de ventanas viejas se refugian en su soledad y abandonan las máscaras que llevan puestas durante el día para adentrarse en sus propios sueños: un hombre imagina que vuela hacia otros horizontes; una pareja de abuelos obsesionados por un pasado en el que habían sufrido el hambre y que, en medio de delirios de grandeza, devoran un suculento banquete, que acaba siendo para el espectador, algo más que comida; una bailarina que tiene dos cestas en lugar de pies y que desea ejecutar una coreografía perfecta...sin lograrlo, etc...esos son, según el espectáculo ,los tranuites.
Tranuites Circus, según nos cuenta el mismo Llach al empezar la obra, aborda la necesidad humana de soñar para huir de la realidad cotidiana y creer en un mundo diferente, la necesidad de imaginar que podemos llegar a ser aquello que siempre habíamos deseado ser y pensar que hay otras maneras de vivir, otras maneras de sentir y otras formas de amar.
A través de una ironía agridulce, los números circenses se van sucediendo uno tras otro, al compàs de la bella música de Llach. Una obra altamente recomendada. Una deliciosa puesta en escena que, visualmente, no deja indiferente y musicalmente... ya me lo habían dicho: si te gusta Llach... te gustarà.
Llach dijo el año pasado que se retiraba. Seguramente se retirarà de la canción en directo, de los llamados “recitales” de toda la vida, y yo espero y deseo que jamás se retire como músico, porque su música forma parte ya de nuestra vida. Emociones, sonrisas, lágrimas furtivas y un gran aplauso final, eso fue lo que sentí. Os la recomiendo.
29.12.06
Leer y escuchar
Leer el cuento de LIter-1 o el poema que nos ha dejado Liter-3 mientras escucháis a Brad Mehldau puede ser una experiencia (vosotros nos diréis si buena)
¡Feliz Año Nuevo!
¡Feliz Año Nuevo!
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